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杨伯都:从观看到体验

时间:2021-06-08     作者:文/嘉慧【转载】   来自:《中国民商》2021年06期

杨伯都以最新装置《气氛》为核心,首次串联起了“在美术馆”与“户外”系列,层层完整的创作线闭合,让我们看到了她日臻成熟的体系显影。虽然不能亲赴现场,但因画册的筹备,笔者在访谈过程中得以有幸与艺术家一起更为整体地翻阅过去。体量化的整理过后,潜藏在杨伯都意识底下的变与不变开始浮现,离析出了更多的线索。

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01

一张画的启动,杨伯都从腹稿草图入手。

“气氛”点找准了,再输出,充实画面。杨伯都的小稿具备了一切,空间氛围、颜色基调、笔触光线,甚至趣味感受都已然心中有数,全局把控的整体感很立体。肉身和意识就像打印机,需要做的就是精确地转述出来。

向着已知的方向前进,杨伯都很少会出现偏差,“画面表达基本和我设想的图像符合,没有什么美丽的意外,意外可以放到下一张。为这张画负责,要善始善终。”

如何把头脑中的感知“打印”出来,让观众一同接收,是杨伯都一直着力的所在。下笔和收笔,艺术家均以“气氛点”为核心考量,从抽象到抽象,一切有形的元素相配调和,直到刚刚好。既抽象,又很确定。

气氛是很抽象的,在画面的转述过程中,细节的深入到位功不可没,这也是杨伯都画作耐看的原因。地砖倒影的微妙变化、门框墙体的线面衔接,即便是最微小的局部,都刻画精到且不越界,笔法轻松毫无刻板之气,经得起咀嚼和推敲。

为了靠近真实让目光和现实秉持同样的频率,杨伯都甚至消解了笔触的痕迹,画框的视角也贴近眼睛的惯性:看细节会凑近,观大物会后退。恪守真实的内在,但实际上她叠压而出的细节,并不是现实中的。

简化的建筑形态和平面化的色彩更是有着相当的观念性,更像一种精神体验的变奏,给人一种观察,而不是了解的感觉。沉静的背后藏着有力的超越感,别具深刻的意味。

气氛下独自观瞻的个体目光渐渐洗印成形,静谧深远又意境从容,不著一字尽得风流的隽永品质,成为杨伯都极具辨识度的美学特征。

有意思的是,杨伯都极寂的灵动高深是在喧嚣中诞生的,“有时候我没法在安静中创作,需要用逻辑性的东西来分散注意力,以此抵抗绘画的逻辑设想干扰。尽量让画画的笔是无意识的。我发现能让我画得特别顺利的是边打电话边画画。自己是自己最大的敌人,画画中最干扰我的,就是我自己了。”

静中藏争,稳中藏急,正如闹中取静才算作真闲,杨伯都也属此类,可以忍受嘈杂,是因为结果明确,在嘈杂中摒除嘈杂,于现实上越过现实。


02

杨伯都的创作得益于建筑学的跨越,一方面源自家庭的浸染,另一方面也出于天性的敏感,如鸽子般的方位感,对空间的营造她较真到毫米。

空间是现实的,又是超现实的,美术馆作为文化发生的现场,杨伯都的“在美术馆”系列,用视觉的方式捕捉典型环境中的典型气氛,恰如观看的在场,具有真实感的空间很难不引人注目。

这种对空间的观看和气氛捕捉,最早可以追溯到2007年大学期间的《阳台》——透过阳台空间的视角观看马奈的作品《阳台》,巧妙双关的同时已有今天空间氛围的雏形。在美国期间创作的《巨石阵》《建筑-2011》,跟最新的“户外”系列的空间兴趣点也有着明显关联。

关注点的衔续线索,一直在。

2013年以前的作品,或许称得上是她的早期,关系是相较简单轻松的,就是自己跟作品、跟美术馆的关系,这时最明显的特征是艺术品作为主体出现在画面,非常明确。

2015年的《无题》则可算作是一个转折点,“主体”彻底消失,不再出现,美术馆的空间被提炼而出,不再是之前的场景概念,更多趋向了现在的氛围感。从清晰到模糊,最终消失不见,主体物的变化在某种程度上也暗合了艺术家自我成长的节点。

虽然现实的得失沉浮,或许很难与作画的过程直接关联,但杨伯都2015年内在的焦点转变,或多或少是受到了生活转变的影响。

2013年,杨伯都回国照顾生病的父亲,2015年之后父亲、爷爷奶奶相继去世,同时又成立了新家,哺育新生命。流逝与新生竟是恰巧的衔接,生活变得更加立体,却也有着人力无法把控的轨迹。或许也因此,她的画面关系走出单纯,开始在沉淀中静观。

在这个阶段,杨伯都一边还原观看的在场,营造身临其境的感受,一边又置身事外,保持甚至推远了观看的距离。

比较明显的:“在美术馆”系列用透视推远空间的深度,“日暮”系列则直接走出户外,视角的放大自然拉远了观看的距离。此外,在最新作品里,杨伯都还在图像原有的空间基础上添加了一道“色框”,把观看的距离再次推后,譬如《在美术馆2021 D》《索克研究所》等,都添加了一道“色框”,既包裹画面,又衔接展墙,成为作品空间距离和思维的延伸。

和对象之间的距离感一直在后退,这也是杨伯都的一个重要改变线索。后退有时候也是为了前进,也正是这种距离感的推伸,早期带有个人私密视角的氛围感才能成功走出户外,在天际线的静穆和恢弘中延续,走向了更深的视点。


03

从2007年的第一次正式展出算起,减去中间缓停的两三年,正好十年的创作生涯。如果说“气氛”作为核心始终萦绕在杨伯都的画面,那主体物的消失,与对象之间距离的不断后退,还有愈加简化直取核心的恢宏气度,都成为变化的关键点。

如果说上述这些变化已经成型,那在系列组合中所体现出的情境营造,则成为杨伯都在个人创作上取得的最新进展——跳出平面,在三维的视角上寻找新的空间结构。

这一点从她的“日暮”系列可以看到趋势变化的端倪:以《日暮5》《日暮6》为例,简明抽象的形式构成理性到了极端,但因观看的逻辑延续——作为《日暮1》《日暮2》的建筑特写而被赋予坚实的细节内容。在形式的发展过程中以系列呈现关联的状态,这种连续性组合的方式,最重要的意义是:形式不再是唯一的焦点。观者的目光得以从画面的形式,移向气氛的语境本身。

这种表达在今年最新的“在美术馆”的组画中也有体现,同一主题不同视角反复深入的组合描绘,即开放又关联。与过去在二维平面上的转化相比,新的倾向深入到“观看”这一机制的本身。

变化的趋向最终在《气氛》的装置中成形——直接邀请观众进入体验,感受其中的动线和场景。《气氛》这个装置已经计划了好几年,这次作为一个模型把它呈现出来,之后还将落地成型。

抽象的东西,难以言说,一旦化形而出,却不需言语,观者自能分辨感受。让观众有一种“我懂”,是杨伯都的标准,“真理从不复杂,把抽象的感受更直接精确地表达出来,也是我近几年越来越清晰的一个方向。”

情景的进入和互动体验,弥补了观众对氛围感知的缺席,概观也带动了对其他画面形式的理解,气氛,最终串联起了室内室外的所有创作,成为展览中的关键性作品。继形式的提炼转化之后,杨伯都找到了一个更有效的传达路径,进入新的创作阶段。

回到一开始,杨伯都对于画面的创作从来都是基于“头脑的”,如前所言:从抽象到抽象,在观看中体验,在体验中落实。如今,得以越过形式之后的再发展,既是高潮,也是序幕。

(责任编辑  庄双博)

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